Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.

Содержание
  1. 1 Министерство образования и науки РФ ЕГУ им. И. А. Бунина Ануфриева О. В. Методическое пособие для факультета «Дизайн» «Изобразительное искусство Германии» Елец 2005 г
  2. Германия: высшее образование в сфере искусства
  3. Университет Гамбурга
  4. Университет искусств в Берлине
  5. Университет Марбурга
  6. Высшая школа Циттау
  7. Высшая школа изобразительных искусств им. Штеделя
  8. Основные направления развития живописи в германии
  9. Изобразительное искусство и архитектура Германии XVIII века
  10. Архитектура и скульптура
  11. Иоганн Бальтазар Нейман (Нойман) (1687-1753)
  12. Ма́ттиас Да́ниель Пёппельман (1662-1736)
  13. Другие архитектурные сооружения в Саксонии
  14. Архитектурные сооружения Пруссии
  15. Живопись
  16. Антон Графф (1736-1813)
  17. Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн (1751-1829)
  18. Ангелика Кауфман (1741-1807)
  19. Декоративно-прикладное искусство
  20. Художественное искусство Германии
  21. Фрески и витражи
  22. Немецкое гравюрное искусство
  23. Романтизм
  24. Период между двумя мировыми войнами
  25. От начала XX ст до наших дней

1 Министерство образования и науки РФ ЕГУ им. И. А. Бунина Ануфриева О. В. Методическое пособие для факультета «Дизайн» «Изобразительное искусство Германии» Елец 2005 г

Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.

Книги по всем темамPages:     || 2 | 3 | 4 | 5 |   …   | 11 | Министерство образования и науки РФ ЕГУ им. И. А. Бунина Ануфриева О. В.

Методическое пособие для факультета «Дизайн» «Изобразительное искусство Германии» Елец 2005 г.

Составитель:

Ануфриева О. В., ассистент кафедры иностранных языков.

Рецензенты:

Романова Л. А., старший преподаватель кафедры иностранных языков психологопедагогического цикла;

Салькова Е. В., директор МОУСОШ №3.

Предисловие………………………………………………….

………………….

1. Kleines Lexikon der Kunst…………………………………………….

Techniken der Malerei und Graphik…………………………… Genres…………………………………………… ………………..

Kunstzeitalter und Kunstrichtungen………………………………………….

2. Deutsche Knstler…………………………………………………

……………

3. Kunstmuseen Deutschlands…………………………………………..

…….

Предисловие.

Методическое пособие «Изобразительное искусство Германии. Живопись, графика, скульптура» представляет сбой сборник текстов и задании к ним адресованный для студентов факультета дизайн, но им могут воспользоваться все, кто интересуется немецким языком и немецкой культурой.

Пособие рассказывает об основных технических приёмах и жанрах изобразительного искусства, об эпохах и эстетических направлениях его развитии, а также о выдающихся немецких художниках и скульпторах со времён позднего Средневековья до 20 века.

Один из разделов посвящён наиболее известным музеям Германии. В конце 1-3 разделов помещены вопросы к текстам и упражнения, целью которых является тренировка правильного употребления искусствоведческих терминов.

Кроме того, в «заданиях и упражнениях» имеются тексты для пересказа и реферирования.

KLEINES LEXIKON DER KUNST Techniken der Malerei und Graphik Holzschnitt. Der Holzschnitt ist die alteste in Europa bekannte Druckgraphik. Sie ist um die Jahrhundertwende XIV. — XV.

entstanden und wurde in den 30er Jahren des XV. Jh. in Deutschland, den Niederlanden und Frankreich betrieben. Um die Mitte des XV. Jh. begann man den Holzschnitt als Illustrationstechnik im Buchdruck zu verwenden. A. Durer und L.

Cranach d. A. brachten ihn zur kunstlerischen Perfektion, aber schon im XVI. Jh. wurde er durch den Kupferstich verdrangt, dessen Technik feinere kunstlerische Moglichkeiten bot. Erst im XIX. Jh. wandten sich die Graphiker erneut dem Holzschnitt zu.

Die Druckform fur den Holzschnitt wird aus Nuss- oder Birnbaumholz angefertigt. Vor dem Herausschneiden der Form muss man die Platte schwarz einfarben, damit die Zeichnung nach dem Herausschneiden der nichtdruckenden Vertiefungen schwarz stehenbleibt.

Die Handabzuge lassen sich mit dem vorher eingefarbten Holzstock machen. Fur den Maschinendruck werden Tiegel- und Kniehebelpressen verwendet, wobei die schwere Pressplatte das Papier von oben auf den Holzstock prefit.

Je scharfer die Zeichnung und je geringer die Zahl der Quetschrander ist, desto hoher ist die Qualitat des Druckes.

Holzstich. Neben dem Holzschnitt gibt es auch den Holzstich, fur den vor allem der Buchsbaum benutzt wird. Dabei werden aus der Buchsbaumplatte die nichtdruckenden Teile mit verschiedenen Sticheln herausgraviert.

Fur den Holzstich ist eine besondere Feinheit der Linien typisch, mit deren Hilfe auch malerische Effekte erzielt werden konnen.

Hervorragende Meister des Holzstichs waren sein Erfinder Thomas Bewick (England), die deutschen Graphiker Adolf Menzel und Karl Rossing, der russische Kunstler Wladimir Faworski.

Kupferstich. Der Kupferstich entstand im zweiten Drittel des XV. Jh. Die Entstehungsgeschichte dieser graphischen Technik IST mit dem Werk von zwei anonymen deutschen Meistern verbunden. Der erste bekannte Kupferstecher war Martin Schongauer.

Albrecht Durer, der viele Kupferstiche schuf, entwickelte diese Technik weiter und erreichte ein hohes kunstlerisches Niveau.

Nach Durer wurde der Kupferstich hauptsachlich als Reproduktionsgraphik betrieben, um die beruhmten Gemalde in Schwarz-Weiss-Wiedergabe zu verbreiten.

Beim Kupferstich wird die abzudruckende Zeichnung mit dem Grabstichel aus der Kupferplatte herausgehoben. Die zum Tiefdruck verwendete Farbe wird mit Ol versehen, mit einer Gummiwalze (oder einem Tampon) aufgetragen und mit dem Handballen in die Plattenvertiefungen eingearbeitet. Fur den Tiefdruck mit der Kupferdruckpresse verwendet man das im voraus angefeuchtete Papier.

Radierung. Unter dem Begriff «Radierung» werden mehrere Techniken zusammengefasst, denen das Prinzip der Plattenatzung zugrunde liegt, u. a, der sog. Kaltnadelstich, bei dem die Kupferplatte durch eine Stahlnadel zarte Rillen bekommt, aus denen die zeichnerische Darstellung entsteht und die sich nachtraglich unterschiedlich tief atzen lassen.

Die Kupferplatte wird zuerst mit Hilfe der Schlammkreide entfettet und dann mit dem Atzgrund bedeckt. Beim Eintragen der Zeichnung durch die Nadel wird die Kupferplatte freigelegt. Beim Atzen in einem Bad friSt sich die Saure an den von der Nadel freigelegten Stellen in das Kupfer ein.

Die Tiefe der Atzung und dementsprechend auch die Kraft der abzudruckenden Zeichnung hangt von der Dauer des Saurebades ab. Als Erfinder des Drucks von geatzten Eisenplatten gilt Daniel Hopfner. A. Durer, der diese Kunst beherrschte, hat Hervorragendes geleistet. Bekannt ist, daft Albrecht Altdorfer und der niederlandische Maler Lucas van Leyden Kupferplatten geatzt haben.

Ihren Hohepunkt erreichte die Radierkunst im Schaffen von Rembrandt. Im XX. Jh. bekam sie neue Impulse im Werk von Max Beckmann, Edvard Munch, Hans und Lea Grundig.

Aquatinta. Als Aquatinta wird eine Atzung mit Tonwirkungen bezeichnet, die im XVIII. Jh. von Jean Baptiste Le Prince verwendet wurde und im Werk von Francisco de Goya ihre Hohe erreichte.

Lithographie. Die Lithographie (der Steindruck) wurde um die Jahreswende 1798-99 von Alois Senefelder erfunden. Das neue Flachdruckverfahren verbreitete sich schnell auch in England, Frankreich und Russland. Hervorragendes auf diesem Gebiet leisteten Honore Daumier, Edouard Manet und Henri de ToulouseLautrec. In der modernen Graphik gehort die Lithographie zu beliebtesten Druckverfahren.

Das lithographierte Blatt entsteht durch Abdruck der Zeichnung von der Flache eines Kalksteins. Die Zeichnung wird auf den Stein mit Kreide oder mit Pinsel und Tusche gebracht. Da-nach erfolgt das Atzen des Steins durch eine Mischung aus arabischem Gummi, Wasser und Saure, um die Zeichnung fest und unloslich an den Stein zu binden.

Vor dem Druck wird die Oberflache noch einmal mit einer Gummilosung ausgewaschen. Diese bleibt an den nicht mit der Zeichnung versehenen Stellen haften und stolSt dort spater die Druckfarbe ab. Die gezeichneten Stellen sind fetthaltig und werden spater die Druckfarbe aufnehmen. Die Lithographien werden mit der Lithographenpresse (der sog.

Reiberpresse) gedruckt.

Tafel- Oder Staffeleibild. Das Tafel- oder Staffeleibild kann in verschiedenen Techniken gemalt werden. Ursprunglich entstanden solche Malereien auf Holztafeln — daher der Name. Um die Mitte des XVI. Jh.

wurden die Holztafeln durch die gespannte Leinwand ersetzt.

Die Tafelbilder sind vor allem fur die Altarmalerei typisch, wahrend die leichteren Staffeleibilder auf der gespannten Leinwand in der profanen Kunst eine breite Verwendung fanden und allmahlich die schwereren Holztafeln verdrangten.

Die Tafel — oder Staffeleibilder werden grundiert. Dabei bilden Klebe- und Fullstoffe wie Leim, Kreide und Deckfarben den Untergrund fur die spater aufzutragende Malschicht. Diese Bilder sind nicht nur Olgemalde.

Die Farbstoffe kann man auch mit dem Milchsaft des Lowenzahns, mit Kuhmilch oder mit rohen Eiern vermischen. Auf solche Weise entstehen die Temperafarben. Die mittelalterlichen Tafelbilder sind fast alle in Tempera gemalt. Erst seit dem XV. Jh.

wurde die Olmalerei vorherrschend. Heute wird oft eine Mischtechnik angewandt.

Pastell und Aquarell. Pastellfarben werden in Stiftform angefertigt. Das sind trockene Farben mit einem sammetartigen Leuchten. Mit ihnen kann man auf Papier, Pappe oder Gewebe verhaltnismassig schnell malen. Da das fertige Bild leicht verletzbar ist, braucht man es zu fixieren.

Das Aquarell (die Wasserfarbe) ist durchsichtig, deshalb werden in der Aquarellmalerei handgeschopftes Buttenpapier, Seide oder Batist als Malgrund verwendet. Diese Maltechnik war schon im alten Agypten bekannt. Die Buchmaler des Mittelalters benutzten sie bei der Ausschmuckung der Bucher. Im XVIII — XX. Jh.

wurden die Wasserfarben im Stilleben und in der Landschaftsmalerei besonders oft verwendet.

Wandmalerei. Das ist wohl die alteste Art der Malerei, denn man findet sie schon in den Hohlen der Eiszeit. Bei der Gestaltung von Wandbildern muss man sowohl auf die Proportionen und Perspektive achten als auch die Farbigkeit des Raumes berucksichtigen. Ausserdem sind die Wandbilder aufs engste mit der Architektur verbunden.

Nach der ersten Bliite in der Antike wurde die Wandmalerei im mittelalterlichen Europa geiibt. In der Renaissance und im Barock sind mit der Wandmalerei bedeutende Namen verbunden.

Der neue Aufschwung dieser Malerei kundet sich seit einigen Jahrzehnten besonders in Sudamerika an. Das traditionelle Wandbild wird in den nassen Kalkmortel oder auf trockenen Verputz gemalt. Seit dem XIV. Jh.

entwickelte sich in Italien das Malen auf nassen Kalkputz (die Freskomalerei). Im Gegensatz zu diesem Verfahren wird die Malerei auf die trockene Kalkwand Sekkomalerei genannt. Im alten Griechenland wurden auch Wachsfarben fur die Herstellung von Wandbildern benutzt.

Diese Technik heisst Enkaustik. Sie ist im Mittelalter aufier Gebrauch gekommen.

Mosaik. Mosaiken entstehen durch das Aneinandersetzen von verschiedenen farbigen Stein- oder Glasstuckchen an Wanden, Decken und Fussboden. Diese Technik erlebte ihre Blutezeit in der hellenistischen, romischen, byzantinischen und islamischen Kunst. In neuerer Zeit werden keramische Steine mit Farbenschmelz verwendet.

Um ein Mosaikbild zu schaffen, setzt man die Steinchen auf ein Bindemittel aus Mortel oder Kitt und druckt sie darin fest und dicht aneinander. Ornamentale Muster oder ganze Bilder schmuckten FuSboden im antiken Griechenland, in Rom und im alten Orient.

In fruhchristlicher Zeit entstanden monumentale Wanddekorationen, die auch heute noch unubertroffen bleiben.

Glasmalerei. Die bunten Glasfenster dienten zur Ausschmuckung von gotischen Kirchenbauten. Die farbigen Glasstucke wurden mittels Bleiruten zusammengefugt, wobei die bleiernen Stege die Konturen in den Darstellungen angaben.

Nachdem es spater moglich geworden ist, farbige Glasteile auf Glas zu kleben, bietet sich eine Menge interessanter optischer Effekte, die durch die Brechung des Lichtes entstehen.

Genres Genrebild. «Genre» ist ein franzosisches Wort, das «Gattung» oder «Art» bedeutet. Mit diesem Terminus wird in der Malerei die Besonderheit einiger Bilder, ihre kunstlerische Eigenart ausgedruckt.

Unter dem Begriff Genrebild werden all jene Kunstwerke verstanden, die Ereignisse aus dem privaten oder gesellschaftli-chen Leben der Menschen darstellen.

Es gibt noch eine andere Bezeichnung fur Gemalde dieser Art — Sittenbilder.

Historienmalerei. Die Historienmalerei zeigt Begebenheiten aus der Geschichte der ganzen Menschheit sowie einzelner Volker und Nationen. Diese Art der Malerei wurde schon in der Antike betrieben.

Das bekannteste der altesten Historienbilder ist ein Mosaikbild aus Pompeji, das eine Szene aus der Schlacht zwischen Griechen unter Alexander dem Grossen und Persern unter Darius darstellt.

In der europaischen Malerei entstehen bedeutende Historienbilder erst seit der Zeit der Renaissance. Ihre Entstehungsgeschichte ist oft mit dem Erwachen des Nationalgefuhls und dem Befreiungskampf unterdruckter Volker verknupft.

Die Gemalde nach den Sujets aus der nationalen Geschichte trugen zur Entwicklung und Starkung des Patriotismus bei. Dieses Genre genofi eine besondere Popularitat in der Malerei des Klassizismus und der Romantik.

Allegorisches Bild. Als Allegorien bezeichnet man bildliche Verkorperungen von Dingen, Erscheinungen oder Vorgangen, die sich unmittelbar nicht gewahren lassen. So werden z. B. die Jahreszeiten nicht selten als menschliche Gestalten versinnbildlicht. Dabei verkorpert z. B. ein junges Madchen den Fruhling, wahrend der Winter als eine Greisin erscheint.

Es konnen ganz verschiedene Dinge personifiziert werden: Naturerscheinungen, Kontinente, Volker und Lander, Planeten, Gottheiten, Charakterztige u. a. Solche Personifikationen sind das wichtigste Mittel einer allegorischen Darstellung. Schon in der antiken Kunst griffen die Maler zu Allegorien ahnlicher Art.

Die Kunstler des Mittelalters benutzten gern verschiedene Allegorien, die als Verkorperungen von Tugenden und Lastern auftraten.

Allegorische Motive und Gestalten aus der antiken Mythologie sind oft in der europaischen Malerei anzutreffen. Besonders gern wurden die Allegorien in der Kunst des Symbolismus, des Jugendstils und der Moderne benutzt.

Portrat. Als Portrait bezeichnet man gewohnlich ein Kunstwerk (ein Bild oder eine Plastik), das lebensgetreu die Zuge der dargestellten Person wiedergibt. Diese Individualisierung war dem altgriechischen und romischen Portrat eigen, wahrend altagyptische Portratplastik sowie mittelalterliche europaische Malerei und Skulptur eher Typenportrats als Darstellungen konkreter Personen kannte.

Es gibt verschiedene Arten des Portraits. Individuelle Darstellungen in voller Gestalt heifien Ganzfiguren. Daneben bestehen auch das Kniestuck und die Halbfigur. Wenn eine Darstellung (vor allem in der Plastik) nur den Brustansatz einbezieht, so spricht man von einer Buste.

Landschaftsmalerei. Die Landschaftsmalerei ist ziemlich spat entstanden, obwohl Ansatze dazu schon in der romischen Malerei vorhanden waren. Noch im XV. Jh. waren die reinen Landschaftsbilder selten genug.

Konrad Witz hinterliess eine der ersten Darstellungen der erkennbaren Landschaft in seinem Gemalde «Der wunderbare Fischzug Petri». Albrecht Durer gebrauchte als erster die Worter «Landschaft» und «Landschaftsmaler». Pieter Brueghel d. A. malte als erster verschiedene Jahreszeiten.

Ihre Blute erreichte die Landschaftsmalerei erst im XVII. Jh. Wahrend hollandische Meister realistische Landschaften schufen (Rembrandt, Ruisdael), entwickelten sich in Italien und in Frankreich die kunstlerischen Richtungen der idealen und heroischen Landschaft (Car-racci, Elsheiner, N. Poussin, C.

Lorrain). Die realistische Tradition der Naturdarstellung bestand im XIX. Jh. in England (Constable), Frankreich (die Schule von Barbizon), Deutschland (Friedrich, Blechen) und Russland (Schischkin, Lewitan).

Die Vertreter der romantischen Tradition in der Malerei versuchten ihr Seelenleben mit Hilfe der Landschaftsbilder auszudrticken. Eine groSe Rolle spielte die Landschaftsmalerei im Schaffen der Impressionisten.

Stilleben. Die Darstellungen von leblosen oder unbewegten Gegenstanden, die nach bestimmten asthetischen Gesichtspunkten ausgewahlt und geordnet sind, nennt man Stilleben.

Beson-ders oft werden dabei Fruchte, erlegtes Getier und Blumen dargestellt, aber es konnen auch andere Gegenstande sein, z. B. das Zubehor eines Malers, Attribute der Kunst oder Wissenschaft u.a.). Eine grosse Bedeutung hatte das Stilleben in der hollandischen Malerei. Diese Bilder (z. B.

von W.C. Heda) spiegelten eine begrundete Freude des sich behauptenden Burgertums am Wohlstand und an der Schonheit wider.

Miniatur. Der Name ist lateinischen Ursprungs und kommt von «Minium» — der Bezeichnung der roten Farbe, mit der in den alten Handschriften die grossen Buchstaben ausgemalt wurden.

Unter der Miniatur wird oft die kleinformatige Textillustration in spatantiken und mittelalterlichen Handschriften verstanden. Miniaturmalerei ist aber nicht nur Buchmalerei, sondern uberhaupt Malerei in kleinem Format. Schon im XVI. Jh.

waren die kleinformatigen Bildnisse beliebt Ihren Gipfel an Popularitat erreichte die Miniatur im Zeitalter des Rokokos. Es waren sowohl selbstandige Bildnisse als auch Verzierungen von verschiedenen Gegenstanden wie Schatullen, Schnupftabakdosen, Uhren.

Diese kleinen Portrats spielten damals dieselbe Rolle wie moderne Photographien.

Pages:     || 2 | 3 | 4 | 5 |   …   | 11 | Книги по всем темам

Источник: http://knigi.dissers.ru/books/1/7444-1.php

Германия: высшее образование в сфере искусства

Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.

В Германии действуют более 400 государственных вузов финансируются за счет госбюджета, а значит, обучение в них является бесплатным. Кроме того, студенты, сравнивающие технику преподавания в российских и германских университетах, отмечают отсутствие каких-либо ограничений творческого процесса со стороны немецких преподавателей в отличие от русской академической школы. 

Студенты, в том числе иностранные, желающие получить образование в сфере искусства, могут выбрать в качестве своей Альма-матер один из пятилучших вузов Германии.

Университет Гамбурга

Гамбургский университет был открыт в 1919 году и является самым большим вузом на севере Германии.

На выбор студентам предлагают множество специализаций, но наиболее интересным является факультет искусств, на котором готовят будущих кураторов выставок.

Здесь можно узнать про создание и влияние художественных произведений на культуру и историю Европы. У университета есть своя школа искусств. Предметы для изучения можно выбирать самостоятельно.

В течение шести семестров студенты получают базовые знания по теории и истории искусства, осваивают тонкости трактовки произведений искусства. Первые 2 семестра включают 3 модуля по истории искусства, 3-5 семестры отводятся на углубленное изучение истории искусства от Средневековья до наших дней, 5-6 семестр – выбор специальности и подготовка дипломной работы.

Кроме лекций, для студентов проводятся конгрессы, исследовательские поездки. Учащимся предоставляется возможность вести кураторские проекты, составлять каталоги для выставок, участвовать в экспертизе художественных произведений.

Стоимость обучения — 270 евро в семестр: студенческие сборы, в сумму которых включена оплату транспорта на 6 месяцев.

По теме: Высшее образование в Германии

Документы для поступления:

  • Школьный аттестат;
  • Языковой сертификат;
  • Копия паспорта;
  • Высокий проходной балл университета.

Университет искусств в Берлине

Университет искусств в Берлине отпраздновал свой 300-летний юбилей. На факультетах музыки, дизайна, изобразительного и исполнительского искусства предлагают 40 программ обучения на выбор.

Университет многопрофильный, поэтому, выбрав одну дисциплину, в процессе обучения можно познакомиться и с другими направлениями искусства, защищая свои проекты, посещая лекции.

 Ежегодно в университете проводят выставки, арт-проекты, воркшопы и лекции, в которых можно принять участие и проявить себя.

Студенты могут защитить диссертации и получить звание профессоров. Университет направляет учеников на практику и помогает в трудоустройстве.

Для поступления нужны:

  • Диплом по схожей специальности;
  • Языковой сертификат (не ниже B1 на момент подачи документов и C1 на момент зачисления);
  • Школьный аттестат;
  • Копия паспорта;
  • Биография в виде таблицы;
  • Портфолио с 20 работами (видео, фото, графика).

Информацию по требованиям каждого факультета можно найти здесь.

При университете есть курсы изучения немецкого языка. График удобно подстроен под расписание занятий. Студенты с детьми могут воспользоваться детским садом при университете.

 Учащиеся могут использовать все ресурсы университета во время учебы абсолютно свободно, чтобы интересный проект был воплощен в жизнь. Преподавательский состав тоже впечатляет.

В него, например, входят знаменитые художники Ребекка Хорн и Олафур Элиассон.

Стоит отметить, что поступить в университет могут студенты, обучающиеся в учреждении, имеющем двустороннее соглашение с университетом Берлина.

Университет Марбурга

Старейшему университету мира уже более 500 лет. В программу обучения входят 3 предмета и проектная работа. Студенты бакалавриата в течение 3 лет изучают историю искусств, теорию музыки и медиаиндустрию.

В конце учебного курса студенты проходят практику. Это значительно повышает шансы выпускников на трудоустройство после окончания вуза. Чтобы стать куратором выставок, в Германии одного диплома бакалавра мало, нужно пройти стажировку в какой-нибудь галерее, чтобы получить стаж. Набраться опыта помогают и кафедры вуза, предлагающие студентам подработку.

В университете есть отдельный корпус для студентов с ограниченными физическими возможностями. Здесь при необходимости оказывают квалифицированную медпомощь. Иностранным абитуриентам доступны курсы адаптации.

Стоимость обучения за семестр – 250 евро. В эту сумму входит проездной, действующий в Марбурге и в некоторых других районах Германии. 

Информацию о поступлении можно получить здесь.

Высшая школа Циттау

Высшая школа Циттау работает с 1992 года и сотрудничает с более чем 100 вузами в 38 странах мира. У студентов есть возможность обучаться в университет другой страны на английском языке целый семестр.

В школе есть подготовительные языковые курсы, на которых абитуриентов из разных стран готовят к учебе в Германии, в том числе рассказывают о методах научной работы в немецких учебных учреждениях.

Документы для поступления:

  • Заявление;
  • Языковой сертификат (если такого нет, абитуриенту предложат пройти языковой тест);
  • Копия паспорта;
  • Диплом об образовании

Здесь можно найти информацию о поступлении для иностранных абитуриентов.

Высшая школа изобразительных искусств им. Штеделя

Немецкий коллекционер И. Ф. Штедель в 1815 году создал фонд и пожертвовал ему свои картины. Но с условием, что они будут доступны публике. Так и возникла Школа искусств Штеделя.

В школе особое внимание уделяют индивидуальной работе. Первый этап обучения длится 1-2 года. В конце студенты сдают промежуточный экзамен и в случае успеха продолжают обучение. Экзамен можно пересдать один раз. Всего обучение в этом вузе длится 6 лет. Если по окончании учебы выпускник захочет учиться дальше, ему потребуется рекомендация преподавателя.

Школа известна тем, что ей принадлежит модный выставочный зал «Портикус», а ее директор Даниэль Бирнбаум был куратором Венецианской биеннале. Ректор существенно изменил преподавательский состав, пригласив в школу известных деятелей искусств. 

В школе действуют несколько лабораторий, где проводятся разные мастер-классы и мастерские. Наиболее интересной и неожиданной является кулинарная лаборатория.

По задумке преподавателей, здесь студентов учат тому, что приготовление еды — это тоже форма искусства. В кулинарной лаборатории знакомятся с культурой еды разных стран.

Например, в 2007 году художники со всего мира представили на кухне Школы Штеделя блюда своей национальной кухни.

Для поступления в этот вуз нужно предоставить портфолио с описанием не более 20 работ с указанием имени преподавателя, у которого хотелось бы учиться. А также биографию в таблице, фотографию на паспорт, заявление.

Обучение в Школе бесплатное, студенту придется платить только за страховку и транспортную карту ежемесячно.

Стоит отметить, что при рассмотрении абитуриентские портфолио с художественными работами, например, с рисунками, немцы сразу отметут стандартные для отечественной школы людские головы, натюрморты и пейзажи.

В вузах Германии студентам дают максимальную свободу для самовыражения во время учебы и того же ждут от абитуриентов. Чем интереснее, креативнее, чуднее будут работы, тем больше шансов, что талант признают и захотят обучать студента дальше. Точнее, направлять в нужное русло.

Главное, чтобы претендент на поступление еще смог объяснить свои работы приемной комиссии.

Источник: https://abroadz.com/articles/Germaniya:_visshee_obrazovanie_v_sfere_iskusstva

Основные направления развития живописи в германии

Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.

Основные направления развития живописи в германии.

С.В. Крюкова

В данной статье речь идет о развитии искусства Германии, начиная с VIII до XIX веков, рассматривается творчество художников этой эпохи и их роль в формировании не только немецкой, но и европейской культуры в целом.

Искусство Германии своими корнями уходит в глубокую древность. Когда на территорию Римской империи пришли с востока германские племена, то вместе с характерными для кочевников предметами быта они принесли очень древнюю художественную традицию, известную как «звериный стиль». Для него было характерно сочетание форм, заимствованных из животного мира, ленточных и растительных орнаментов.

Империя Карла Великого (VIII век), в состав которой входила часть территорий современной Германии, Франции, Италии и других государств, оказала огромное влияние на развитие европейского искусства в целом. 

Столица империи находилась в Ахене — одном из древнейших немецких городов. Империя Каролингов просуществовала не долго, но ее успехи в области культуры оказались куда более долговечными.

Историки называют эту эпоху каролингским возрождением. Даже форма букв латинского алфавита, которая до сих пор используется в книгах, пришла к нам из книг каролингской эпохи.

Во время правления Карла Великого возродилось изучение классической латыни, создавались Скриптории —  учреждения для переписки и хранения рукописей. Львиная доля латинских рукописей дошла до нас благодаря усилиям именно этой эпохи. При дворе императора сложился кружок ученых, называемый Академией, где обсуждались актуальные научные проблемы, вопросы философии, истории, искусств. 

Таким образом, Каролингское возрождение можно назвать первым, и, по-видимому, наиболее важным этапом взаимопроникновения кельтско-германской и средиземноморской культур.

 После смерти Карла Великого его империя постепенно распалась на Францию, Германию, Италию, согласно трем главным национальностям после того, как в 843 г. в Вердене наследники, после длительных выяснений, заключили договор о разделе империи.

Но влияние ярчайшего человека той эпохи — Карла Великого — ощущалось в Европе и в последующие века. В Германии династия Каролингов прекратилась в начале Х века.

В период раннего средневековья искусство служило культовым целям. Архитектура, живопись, прикладное искусство, скульптура — все это служило для украшения храмов, соборов, церквей.

Светское нерелигиозное искусство появилось значительно позже в период возникновения и развития городов. В городах требовались общественные здания.

Богатые землевладельцы — герцоги, ландграфы стремились украсить свои замки и поместья росписью, скульптурами.

Художественная жизнь Германии отличалась большой дробностью. Разобщенность отдельных областей страны приводила к возникновению множества местных очагов искусства. Однако немецкое искусство в целом все же обладало известной общностью.

Наиболее важным было то, что религиозное изображение потеряло свой отвлеченный спиритуалистический характер и со всей определенностью приблизилось к жизни.

Главный акцент перенесен был на повествовательное начало и на выражение в религиозном сюжете живых человеческих чувств.

Традиционные фигуры святых стали приобретать облик людей того времени, причем очень часто людей из народа, религиозные сцены — насыщаться жанровыми подробностями. Все чаще в искусство художниками вводились жизненные детали, чрезвычайно оживлявшие изображения и делавшие их более доступными для зрителя.

В первой половине XV в. очаги искусства существовали в округе Боденского озера, по Рейну, в Гамбурге, Ульме. В округе Боденского озера работали живописцы Конрад Виц и Лукас Мозер; в Ульме — Ганс Мульчер; крупнейшим мастером Кёльна был Стефан Лохнер; в Гамбурге работал мастер Франке; на Верхнем Рейне — так называемый Верхнерейнский мастер, и повсюду еще множество анонимных мастеров.

Для первой половины XV в. центральной фигурой немецкой живописи и настоящим новатором был работавший в Костанце и Базеле Конрад Виц (1400/10— 1445/47), у которого впервые реалистические искания принимают осознанный и до известной степени последовательный характер.

Виц первым из немецких живописцев старается решить проблему взаимоотношения человеческих фигур с окружением — пейзажем или интерьером, начиная трактовать картину как глубинное, трехмерное построение. Не обладая знанием законов перспективы, он достигает этого чисто эмпирическим путем.

В картинах Вица широко используется светотень, с помощью которой фигурам, предметам и самому пространству придается объемный, пластический характер. Особенно удаются Вицу интерьеры.

Интерьеры «Благовещения» (створка несохранившегося алтаря, Нюрнберг) и известной картины, изображающей святых Екатерину и Магдалину (очевидно, того же алтаря, Страсбург 1444 г.), привлекают внимание своей правдивостью. В последней картине художник дает живую, с жанровым оттенком трактовку сюжета.

Святые с нимбами вокруг головы, одетые в традиционно условные одеяния с нагромождением ломаных складок, запросто сидят на каменном полу монастырского коридора, уходящего в глубину. Наивной свежести исполнена видная в открытый пролет в конце коридора уличная сцена провинциального средневекового немецкого городка с фигурками людей, беседующих между собой.

Во второй половине XV век развивается художественная школа Нюрнберга. Приблизительно с 1457 г. там работает Ганс Плейденвурф (умер в 1472 г.), мастерскую которого наследовал учитель Дюрера Михаэль Вольгемут. В творчестве нюрнбергских мастеров гораздо слабее проявляются реалистические тенденции эпохи. Чужды им и нидерландские влияния.

Лучшее произведение Плейденвурфа — «Распятие» (Мюнхен) — обладает рядом ясно выраженных готических пережитков: перегруженностью композиции, тесной сдавленностью фигур в толпе, окружающей крест, совершенно лишенной элементов пространственности.

В то же время упорядоченное, симметричное построение картины, а также живые детали городского пейзажа говорят о новых исканиях художника. Интерес представляет другая работа Плейденвурфа — портрет субдьякона графа фон Ловенштейна (Нюрнберг).

Эта картина является одним из редких немецких портретов XV века и при этом своим неожиданным реализмом, и яркостью психологической характеристики старческого лица Дюрер в какой-то мере подготовляет портретное искусство.

К концу XV в. относится деятельность так называемого Мастера амстердамского кабинета (он же Мастер «Домовой книги») (Meister des Hausbuches). Домовыми книгами назывались книги, предназначавшиеся для определенной семьи.

Наименование «Мастер амстердамского кабинета» связано с местонахождением ряда гравюр художника, гравюры которого как на религиозные, так и на жанровые темы, например, изображения влюбленных пар, отличаются большой тонкостью и эмоциональностью.

Одним из живописцев, тяготевших к нидерландскому искусству, наряду с Шонгауэром был кельнский «Мастер жизни Марии» (назван так по серии картин в Мюнхене, работал между 1465 и 1490 гг.), в утонченных, исполненных лиризма, изображениях которого отчасти продолжается традиция Лохнера.

Среди художников немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер выделяется не только силой своего дарования, но и широтой интересов и разносторонностью знаний.

Глава прогрессивного направления в немецком искусстве XVI века, в творчестве которого решительно торжествует верность разуму и натуре, он первым среди художников северных стран Европы обратился к освоению научных основ искусства. Жажда знаний, стремление к широкому образованию — характерная черта Дюрера.

Живопи­сец и гравер, он пробовал свои силы и в архитектуре, занимался теорией фортификации, изучал математику, интересовался различными областями естественных на­ук. Он не был чужд и гуманитарных знаний — был зна­ком с латынью, читал древних авторов, даже сочинял стихи.

В условиях отсталой Германии, где в конце XV — начале XVI века искусство все еще жило, подобно ремес­лам, традицией передававшихся от мастера к мастеру практических навыков, Дюрер воплотил новый тип ху­дожника-ученого, уже привычный в Италии, но еще не­известный на его родине.

Изобразительное искусство Германии не осталось в сто­роне от этого общего подъема. Первая половина XVI века вписала в его историю одну из самых блестящих страниц. Разнообразие и смелость исканий, и, главное, страстность, живое биение жизни характеризуют искусство этой поры.

Учителем Дюрера в его исканиях была природа. Многое почерпнул он также, изучая классические образы античности и итальянского Возрождения. О любви и внимании художника к природе говорят его упорные зарисовки с натуры – человеческого лица и тела, животных, растений, пейзажей, а также его теоретические занятия по изучению человеческой фигуры, которым он посвятил целый ряд лет.

Это обновление, прежде всего, сказалось в живописи, хотя она не имела здесь такого распространения и не играла той роли в общественной жизни. Монументальная живопись почти не привилась в Германии.

Живописные произведения немецкого Воз­рождения представляли собой по большей части алтарные картины, заказы на которые исходили от князей, духо­венства или, иногда, от богатых купеческих семей.

Немец­кая живопись оставалась в то время почти исключительно религиозным искусством; светская тематика проникала в нее крайне медленно, изображение античных мифологи­ческих сюжетов появлялось очень редко, из новых жан­ров значительное распространение получил лишь порт­рет. Тем не менее, в произведениях начала XVI века про­являются новое чувство природы и красоты, интерес к передаче всего многообразия действительности.

Свое завершение и одновременно переход к новому этапу немецкая живопись XV век находит в творчестве родоначальника художественной школы Аугсбурга – Ганса Гольбейна Старшего (1465–1524), художника, который с таким же правом может быть включен в историю немецкого искусства XVI столетия.

Ранние работы Гольбейна Старшего по стилю целиком примыкают к немецкой живописи XV в. (алтарь Аугсбургского собора, 1493; алтарь св. Павла, 1508, Аугсбург). В качестве новых черт можно отметить элементы известной успокоенности и ясности, которые чрезвычайно усиливаются в поздних вещах художника, созданных уже явно в орбите новых веяний.

В ранних вещах Гольбейна Старшего господствуют теплые и глубокие тона; позднее колорит становится более светлым и холодным. Наиболее известная его работа – алтарь св. Себастьяна (1510 г.; Мюнхен), созданный в период расцвета творчества Дюрера.

Правильно построенные фигуры, спокойное, ясное выражение лиц, пространственная упорядоченность, мягкие пластичные формы, классические мотивы в архитектурном окружении переносят это произведение в новый мир искусства Высокого Возрождения.

Семнадцатый век — одна из наиболее грандиозных эпох во всей истории искусства.

При этом условно можно было бы рассматривать XVII век как время перехода от Возрож­дения к Просвещению, хотя он дей­ствительно многое унаследовал от первого и завещал второму.

В целом XVII век — совершенно самостоя­тельная фаза в развитии мировой художественной культуры, обла­дающая своими неповторимыми осо­бенностями в мировоззрении, об­щественном и культурном укладе, образном мышлении.

Искусство Германии приобрело в XVII веке специфические черты, которые связаны с удержанием идеалов классицизма, заимствованных от других национальных школ, которое выразилось в открытии Академии Художеств.

Так искусство И.Г. Шёнфельда (1609-1683) сложилось в орбите итальян­ских влияний, но на всех его ра­ботах — живописных и графических, разных по тематике — лежит печать его индивидуальности.

В компози­циях Шёнфельда реальность причудливо уживается с фантазией, лири­ка — со спиритуалистической оду­хотворенностью.

В них привлекает богатство воображения и эмоцио­нальность оттенков — драматическая взволнованность, романтический порыв, меланхолическая печаль («Похищение сабинянок'', Санкт-Петербург, Эрмитаж; «Чудо на водах», Аугсбург, Музей; гравюра «Суета сует»).

Романтическая нота звучит в его жанровых картинах — та­ких, как «Натурный класс Аугсбургской академии» (после 1660, Грац, Музей), «Концерт в картинной галерее» (Дрезден, Картинная галерея), где царит возвышенная духовная атмосфера, порожденная встречей человека с искусством.

Михаэль Вильман (1630-1706) тяго­теет к драматической тематике, его живописная манера экспрессивна, письмо стремительно и взволнованно («Снятие с креста», Вроцлав, Му­зей). В серии мучений апостолов (Лебус, монастырская церковь, 1660 до 80-х гг.

) поражает беспощадная правдивость, отражающая трагедию страны, преломленную сквозь лич­ные впечатления и переживания ху­дожника. Трагический пафос его искусства захватывает и убеждает. Дарование Вильмана проявилось особенно ярко в пейзажах. При­рода передана им точно, любовно, конкретно, но при этом предельно одухотворена.

Сцены из Библии кон­центрируют в себе настроение при­роды, как бы выражают тайны ее жизни, ее духовный смысл («Пей­заж с неопалимой купиной», «Пей­заж с нахождением Моисея»).

Немецкая живопись XVIII века тяготела к жанру портрета. Одним из лучших портретистов считается Антон Граф, его творческое наследие насчитывает около 2000 работ (среди лучших – портрет короля Фридриха Великого).

Художница Ангелика Кауфман, вдохновившись идеями классицизма, также создавала картины на античные сюжеты, но лучшие ее работы написаны в жанре портрета.

В целом немецкая живопись XVIII века не обладала той яркой индивидуальностью, которая позволяла бы ей соперничать с французским или итальянским искусством

XIX век стал веком расцвета реализма. Немецкая живопись ознаменована творчеством Адольфа Менцеля (1815-1905), сочетавшего блестящий дар живописца и рисовальщика с добросовестностью ученого-историка. Художник широких замыслов, Менцель стремится охватить жизнь во всем ее разнообразии.

Лучшие качества Менцеля-живописца проявились в картинах и этюдах, написанных непосредственно с натуры, в широкой, свободной манере: «Комната с балконом»(1845),»Железная дорога Берлин-Потсдам» (1847, обе — Берлин, Национальная галерея), где пейзаж и интерьер пронизаны ярким солнечным светом.Менцель первый ввел в исторический жанр реалистический метод. В 1840г.

он предпринял громадный труд по иллюстрированию «Истории Фридриха Великого». Эта работа выдвинула его в число знаменитейших немецких графиков того времени. В иллюстрациях Менцеля особенно привлекает достоверность в обрисовке исторической обстановки, костюмов, умение схватить характерное.

И все же художник, как и историк, не избежал черт идеализации в характеристике Фридриха, представленного в виде справедливого просвещенного монарха. К этой же теме Менцель обращается и в живописи. Самая живая из цикла картин, посвященных Фридриху II, -«Круглый стол в Сан-Суси» (1850, не сохранилась).

Художник рисует изысканное общество, окружающее Фридриха в его резиденции. Среди присутствующих — знаменитый французский философ Вольтер. Мастерски изображена обстановка дворца, свободно сгруппированы вокруг стола собравшиеся, и все же черты однообразно описательной манеры присутствуют и здесь.

Поездки во Францию и знакомство с достижениями французского искусства укрепляют реалистическую направленность творчества Менцеля и его острый интерес к современности во всем разнообразии проявлений. В его искусстве находят отражение события революции 1848г.

Он пишет «Почести погибшим в Мартовские дни» (1848, Гамбург, Кунстхалле), обнаруживая свои демократические настроения, сочувствия жертвам восстания. Он создает «Железопрокатный завод»(1875, Берлин, Национальная галерея), одну из первых в западноевропейской живописи картин жизни рабочего класса, индустриального труда.

С документальной точностью изображает художник огромный цех завода, станки и освещенных пламенем печи рабочих, условия их тяжелого, изнурительного труда. Тут же в цехе, примостившись за листом железа, заканчивают они наспех свой скудный завтрак. Некоторая чернота и сухость живописи не снижают громадного значения этого произведения, показывающего коллективный труд индустриальных рабочих, своеобразную мощь и красоту машин.

Многочисленные подготовительные рисунки к картинам, сделанные с натуры, характеризуют Менцеля как одного из самых крупных, со времен Дюрера, художника Германии.

Среди них и тщательнейшие рисунки деталей костюмов, обстановки, и живые наброски людей, пейзажей, интерьеров, исполненные углем и карандашом, пером и кистью.
Искусство Менцеля получило признание далеко за пределами Германии.

Крупнейший русский критик-демократ В. Стасов называл его «одним из самых великих художников».

Германия – страна великой культуры с мощными корнями. Сегодня просто невозможно представить мировую культуру без картин Альбрехта Дюрера и Ганса Гольбейна Младшего, А. Менцеля, И.Г.

Шёнфельда и многих  других великих и талантливых немцев, произведения которых стали достоянием культуры всего человечества. Известные на весь мир немецкие деятели культуры играли важную роль в формировании не только немецкой, но и европейской культуры в целом.

 Все эти выдающиеся люди коренным образом изменили культурную жизнь Германии, тем самым она стала ведущей страной в развитии живописи.

Список литературы:

  1. Ануфриева О.Е. ИзобразительноеискусствоГермании.Елец. 2005.

  2. Бецольд Ф. История Реформации в Германии. – СПб.: 2004.

  3. Кантор А. М. Искусство XVIII века. – М.: 1977.

  4. Андреева Е. В., Ларионова Ю. Б., Хропов А. Г. Берлин. Восточный Берлин. Западный Берлин. Потсдам. Сан-Суси. Экскурсии в окрестностях Берлина: 45 музеев, более 20 церквей и соборов, более 20 замков и дворцов. — М.: Вокруг света, 2005. ЧЗ № 6.

  5. Абросимов А. Е. Достопримечательности Германии. — М.: 2004. С.154-159.

Источник: https://infourok.ru/osnovnie-napravleniya-razvitiya-zhivopisi-v-germanii-3725326.html

Изобразительное искусство и архитектура Германии XVIII века

Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.
Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура конца XVI-XVIII веков 24.04.2017 18:46 2719

В XVIII в. в Германии жили и работали Иоганн Вольфганг Гёте, философ Иммануил Кант, композитор Иоганн Себастьян Бах и другие выдающиеся деятели науки и культуры.

В то же время Германия испытывала упадок в экономике, сохраняющийся из-за раздробленности страны на множество мелких королевств, герцогств и княжеств. В ряде земель сохранялось ещё крепостное право.

Но, тем не менее, искусство продолжало развиваться. Особенно успешно оно развивалось в Баварии, Пруссии и Саксонии.

В Вюрцбурге (Бавария) работал итальянский художник Джованни Баттиста Тьеполо, а в Дрездене (Саксония) – мастер ведуты Бернардо Беллотто.

Архитектура и скульптура

С Баварией тесно связано творчество архитектора Бальтазара Неймана.

Иоганн Бальтазар Нейман (Нойман) (1687-1753)

И.Б. Нейман – один из крупнейших немецких архитекторов барокко и рококо.Нейман состоял на службе у вюрцбургских епископов. В 1717-1718 гг.

в составе франконских войск он побывал в Австрии и Венгрии, где участвовал в качестве инженера в укреплении Белграда.

В 1720 г. Нейману было поручено проектирование нового дворца-резиденции в Вюрцбурге.

Это была самая крупная постройка Неймана, которую впоследствии расписал Тьеполо.

Архитектурный комплекс был создан в стиле барокко. Его сравнивают с венским дворцом Шёнбрунн и парижским Версалем. В 1981 г. ЮНЕСКО включила Вюрцбургскую резиденцию в Список всемирного наследия.

Это огромный дворец с четырьмя внутренними дворами и протяженным фасадом (167 м). Фасад оформлен крупными ризалитами. Нижний этаж выполнен строго и просто; верхние этажи украшены скульптурами, в которых чувствуются гармония и тонкий вкус.

В интерьере дворца особенно сильное впечатление производит парадная монументальная и изысканная лестница.

Парадная лестница в Вюрцбурге
Другие архитектурные создания Б.

Неймана: базилика 14 святых (находится в лесном массиве недалеко от Бад-Штаффельштайна на месте, где, согласно легенде, дважды появлялся младенец Иисус в сопровождении 14 святых; базилика в Госвайнштайне; католическая церковь Троицы в центре посёлка Гайбах; паломническая капелла на горе св.

Николая над Майном в Вюрцбурге – последнее произведение архитектора; капелла в Китцингене расположена на противоположном центру города берегу Майна и выделяется среди соседних храмов характерной для творчества Ноймана формой крыши.

Балтазар Нойман. Базилика в Гёсвайнштайне. Построена Нойманом в 1730-1739 гг. как церковь для паломников на пути св. Иакова

Ма́ттиас Да́ниель Пёппельман (1662-1736)

Придворный архитектор Августа Сильного, основной представитель дрезденского барокко. Дрезден своим знаменитым барочным обликом обязан именно Пёппельману.М. Д. Пёппельман родился в купеческой семье в Вестфалии. В возрасте 18 лет он поступил в саксонское управление по строительству.

Первые 6 лет выполнял вспомогательные работы. Затем строил дома для горожан. В 1710 г. король Август Сильный отправляет М. Пёппельмана в учебную поездку в Вену, Рим и Неаполь, затем – в Париж и Нидерланды. В 1718 г. он уже получает должность заместителя главного государственного архитектора.

В этой должности полностью раскрылся талант Пёппельмана как архитектора и администратора: он превратил Дрезден в один из красивейших городов Европы эпохи рококо.В 1734 г. престарелый архитектор покидает этот свой пост. Скончался в январе 1736 г. от болезни.

Главным творением М.

Пёппельмана считается дрезденский Цвингер (1711-1728), созданный им совместно с архитектором Бальтазаром Пермозером.

М. Пёппельман. Дворец Цвингер

Двор ЦвингераЦвингер – дворцово-парковый комплекс в Дрездене из четырёх зданий. Сейчас здесь находятся уникальные музеи, среди которых Физико-математический салон, Собрание фарфора и наиболее известная Дрезденская картинная галерея (Галерея старых мастеров).Из камня, в стиле барокко, три стороны Цвингера были построены до 1732 г. Маттеусом Даниэлем Пёппельманном.

Четвёртая сторона архитектурного ансамбля, спроектированная Готфридом Земпером, была возведена в 1847-1855 гг.

Главным украшением строения являются фонтаны и в особенности Нимфенбад (Купальня нимф). Замечательным является также мелодичный, чистый перезвон фарфоровых колокольчиков из мейсенского фарфора на часах Цвингера.

А из многочисленных скульптур выделяется фигура Геракла, поддерживающего земной шар.

Фонтан «Купальщица»
Другими возведёнными им зданиями являются дрезденский Японский дворец (1715), замок Пильниц (1720-1723), замок Гроссзидлиц, замок Градиц (1720), аббатство Йоахимштейн (1722-1728), перестройка замка Морицбург, мост Аугустусбрюкке (1727-1731) и др.

М. Пёппельман. Японский дворец

Другие архитектурные сооружения в Саксонии

Большинство построек этого периода создавалось в стиле барокко. Это относится и к строительству храмов.

Дворцовую церковь в Дрездене (Хофкирхе) создал в 1738-1756 гг. итальянский архитектор Гаэтано Кьявери (1689-1770).
Её западный фасад выполнен необычно: прямо над входом расположена колокольня, высота и обилие украшений которой сразу притягивают к себе внимание.

Фрауэнкирхе в Дрездене. Архитектор Георг Бер (1726-1743)
Фото из ВикипедииФрауэнкирхе строился как лютеранский (протестантский) собор, несмотря на то что курфюст саксонский Август I (1670–1733), при котором началось строительство, был католиком.

Архитектор Георг Бер – известный мастер немецкого барокко.

Отличительной особенностью собора является его огромный 12-тонный купол 95 м высотой. Купол не имел дополнительных опор внутри здания, но вся конструкция оказалась прочной и устойчивой. По свидетельству очевидцев, в 1760 г.

, во время Семилетней войны, в купол попало более 100 пушечных ядер, выпущенных прусской артиллерией, и ни один из них не причинил храму вреда: ядра отскакивали от купола, как теннисные мячи от стенки.

Во время Второй мировой войны Фрауэнкирхе был разрушен во время бомбежек Дрездена союзной авиацией. В конце XX-начале XXI вв. храм был на реставрации, которая продолжалась 13 лет. В 2005 г. возрождённый Фрауэнкирхе был освящен.

Архитектурные сооружения Пруссии

Для короля Пруссии Фридриха II архитектор Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (1699-1753) построил в Потсдаме королевскую резиденцию Сан-Суси (1745-1747), в переводе с французского «без забот».

Виноградные террасы на фоне дворца Сан-Суси
Автор фото – Paul Odörfer, из ВикипедииЭто вытянутое одноэтажное здание с изящной балюстрадой по карнизу являет собой пример немецкого рококо. В центре дворца – овальный зал под куполом.

Полукруглый парадный двор окружен колоннадой. Огромные окна-двери паркового фасада делают стену почти прозрачной и создают ощущение единства природы и дворцовых интерьеров.

Резиденция должна была создавать ощущение гармонии и настраивать на радостное и беззаботное ощущение жизни.

В Пруссии постепенно сложилась холодная и тяжеловесная архитектура немецкого неоклассицизма.

Ярким примером этого стиля являются Бранденбургские ворота в Берлине (1788-1791). Архитектор Карл Готхард Лангханс (1732-1808) образцом для них избрал Пропилеи – парадный вход на афинский Акрополь.

Бранденбургские ворота и Берлинская стена в июне 1988 г.Бранденбургские ворота, которым уже более 200 лет, являются самым знаменитым символом Берлина и Германии. Долгие годы они служили символом разделённых Германии и Берлина, а после 1989 г. стали воплощением воссоединения страны.

Бранденбургские ворота (вид с восточной стороны)

Автор фото: ger1axg — собственная работа, из Википедии
Наиболее известный скульптор немецкого барокко – Андреас Шлютер (около 1660-1714).
В конном бронзовом памятнике курфюсту Фридриху Вильгельму II в Берлине Шлютер облачил его в античное одеяние и парик по моде XVII в.

Статуи скованных рабов, подпирающие постамент, дополняют композицию и олицетворяют побежденных врагов Пруссии.

Живопись

Крупнейшим художником немецкого неоклассицизма был Антон Рафаэль Менгс (1728-1779).

А.Р. Менгс. Автопортрет (1773)
А.Р. Менгс – сын саксонского придворного художника-датчанина Измаила Менгса. Начал рисовать под руководством отца. В 1741-1744 гг. вместе с отцом жил в Риме, где изучал античное искусство и работы старых мастеров.

Возвратившись в Дрезден, в 17 лет получил должность кабинетного художника. Работал в основном в жанрах портрета и исторической живописи.
В портретах умело сочетал барочную парадность и точную передачу индивидуальных черт модели.

Ему позировали самые могущественные люди эпохи, в том числе и Екатерина II.

А.Р. Менгс. Портрет Иоганна Иоахима Винкельманна (немецкий искусствовед, основоположник современных представлений об античном искусстве и археологии, друг Менгса)
Менгс проповедовал отказ от излишеств стиля рококо и возврат к классическим нормам.

Он разработал строгие правила выбора моделей и сюжетов для художественного произведения, призывал соединить античную красоту с лучшими чертами творчества Рафаэля, Тициана и Корреджо. Он критиковал живописцев XVII в. за чрезмерное увлечение светотеневыми эффектами, а художников XVIII в.

– за тематику, лишённую моральных и образовательных устремлений.

А.Р. Менгс «Мадонна с младенцем»
Менгс стремился к красоте форм и к соблюдению точных правил композиции, законов светотени и определенных приёмов живописи масляными красками, фресковой росписи, техники акварельного и пастельного рисунка. Менгс считал себя первым неоклассицистом, в то же время он был одним из последних мастеров барокко.

А.Р. Менгс «Непорочное зачатие Девы Марии, матери Иисуса Христа»
Фото из ВикипедииМенгс создавал и монументальные росписи, и камерные портреты, во всем ориентируясь на свой идеал – античное искусство. Но Менгс принимал только внешние формы древних памятников, не проникаясь их духом.

В эпоху неоклассицизма немецкая живопись особенно тяготела к жанру портрета.

Антон Графф (1736-1813)

А. Графф. Автопортрет (1805-1806)Антон Графф – немецкий художник швейцарского происхождения, выдающийся портретист своего времени.

Написал более 1,5 тысяч портретов, среди которых наиболее интересны изображения деятелей науки и искусства: немецкого поэта Иоганна Фридриха Шиллера, драматурга Готхольда Эфраима Лессинга, Фридриха Гедике и др.

По заказу Екатерины II копировал ряд картин из Дрезденской галереи для Эрмитажа.

А Графф. Портрет Ф. Шиллера

А. Графф. Портрет Фридриха Великого
Художник умел передавать неповторимые черты характера каждого из портретируемых, уловить настроение и выразить это на полотне.

Иоганн Генрих Вильгельм Тишбейн (1751-1829)

Немецкий художник эпохи классицизма, мастер портрета.

Тишбейн Иоганн Генрих Вильгельм «Гёте в Кампанье» (1787). Штеделевский институт (Франкфурт-на-Майне)
Портрет был написан в Риме, во время итальянского путешествия поэта, когда он гостил в доме своего друга Иоганна Генриха Вильгельма Тишбейна.

На фоне эффектного итальянского пейзажа, окруженный античными руинами, великий поэт предстает как некий идеал творческой личности, однако при этом его облик остается удивительно естественным. Мастер сумел уловить момент вдохновения у Гёте.

Портрет приобрёл огромную популярность.

Ангелика Кауфман (1741-1807)

А. Кауфман. Автопортрет (1780-1785). Эрмитаж (Петербург)

Немецкая художница. Много лет жила в Италии. Создала множество работ на античные сюжеты. Но лучшим ее достижением следует считать портреты, особенно женские. Живопись Кауфман (портреты, библейские, исторические, литературные и античные мифологические сюжеты) развивается в рамках классицизма.

А. Кауфман «Баронесса фон Крюденер с сыном» (1784)

Декоративно-прикладное искусство

С 1710 г. в Саксонии существовало фарфоровое производство. Позднее оно распространилось и в другие города.

Чайник. Саксонский фарфор
Помимо дорогой изысканной посуды фарфоровые мастера создавали маленькие статуэтки и скульптурные группы в традициях рококо.

Пастух, играющий на флейте, с собакой. Фарфор, высота 15, 2 см
Посуду обычно расписывали изображениями зверей и птиц, портретами, бытовыми зарисовками. Особенно удавались мейсенским мастерам «галантные празднества» – сцены утонченных развлечений аристократии.

Чайная чашка. Фарфор, высота 4,5 см

Источник: http://ency.info/mirovaya-khudozhestvennaya-kultura/izobrazitelnoe-iskusstvo-i-arkhitektura-kontsa-xvi-xviii-vekov/698-izobrazitelnoe-iskusstvo-i-arkhitektura-germanii-xviii-veka

Художественное искусство Германии

Изобразительное искусство Германии. Ануфриева О.В.

Изобразительное искусство Германии берет свое начало еще далекие времена, с того момента как племена германцев пришли на территорию Римской империи. Богатейшее художественное наследие хранится в многочисленных музеях страны, галереях и выставочных центрах.

Его также можно увидеть в интерьерах и на фасадах старинных и современных зданий.

Изобразительное искусство Германии включает в себя древние фрески, искусно нарисованные портреты, орнаменты, витражи и великолепные картины всех стилей, созданные знаменитыми и никому не известными художниками.

Фрески и витражи

Самые древние фрески, найденные на территории современной Германии, относятся к эпохе Каролингов, продлившейся до 843 г. Они были обнаружены в одном из подземных помещений аббатства Св. Максимина (Reichsabtei St. Maximin) в Трире.

На сегодняшний день эти великолепные фрески хранятся в церкви Св. Георгия на территории монастыря Райхенау (Kloster Reichenau).

А в Трирском музее Собора и Епархии выставлен купол старинного Римского дворца, украшенный великолепно сохранившимися фресками.

Аббатство Св. Максимина (Фото © Stefan Kühn / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-SA-2.5,2.0,1.0)

Множество красивых витражей было создано в Романскую эпоху в период с X по XIII ст. Большая их часть посвящена религиозной тематике.

Красивейшие витражи Романской эпохи украшают Кёльнский собор и собор в Аугсбурге. К XV ст кёльнские мастера стали создавать витражи, изображающие живописные пейзажи.

Самые яркие образцы такого искусства сегодня хранятся в художественном музее в Гамбурге (Hamburger Kunsthalle).

Немецкий Ренессанс развивался в направлении итальянского Возрождения.

Его главным представителем был немецкий живописец и график Альбрехт Дюрер (Albrecht Dürer), который не уступал в своем таланте знаменитым итальянским мастерам.

Несколько его работ хранится в Старой Пинакотеке в Мюнхене и в Нюрнбергском доме Дюрера (Albrecht-Dürer-Haus), где выдающийся живописец жил и работал до самой своей смерти.

По эскизам Дюрера были созданы великолепные витражи на религиозную тематику. Его работы украсили церкви Св. Лаврентия в Нюрнберге и Св. Якоба в Штраубинге, а также дом нюрнбергского гуманиста Сикста Тухера и бенедиктинский монастырь Св. Эгидия.

Самые роскошные фрески были созданы в эпоху барокко, которая продолжалась с XVII по середину XVIII ст. Фрески покрывали стены большинства возведенных в тот период дворцов. Они позволяли визуально увеличить пространство помещений, придать им изысканность и помпезность. Самым ярким примером барочных фресок является Большая лестница Бальтазара Нойманна.

Немецкое гравюрное искусство

Расцвет искусства гравюры пришелся на начало эпохи Возрождения. Его развитию послужила доступность и невысокая стоимость нового на тот период материала для книг – бумаги. Данный вид искусства привлек к себе внимание ведущих немецких мастеров. Основная тематика была отражением актуальных на то время событий (война, проституция, крестьяне).

Среди самых известных немецких гравюр:

  • «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера.

    Гравюра «Рыцарь, Дьявол и смерть» Альбрехта Дюрера (Фото © Albrecht Dürer / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-PD-Mark)

  • «Смерть, швейцарские воины и военная проститутка» Урса Графа.
  • «Смерть хватает епископа» Ганса Гольбейна.

Романтизм

Основными тематиками изобразительного искусства в стиле романтизма выступали религия и мистика. Яркими представителями данной эпохи были Каспар Дэвид Фридрих и Филипп Отто Рунге. Большинство работ Фридриха выставлено в гамбургском Кунстхалле и Старой берлинской национальной галерее.

Художественный музей Гамбурга демонстрирует самые известные работы Филиппа Отто Рунге, произведения искусства движения Назарейцев, а также художественные произведения искусства Вильгельма Лайбла, созданные в стиле позднего романтизма.

Период между двумя мировыми войнами

В период между Первой и Второй мировыми войнами изобразительное искусство Германии словно замерло и погрузилось в спячку. Множество столичных деятелей искусства были отправлены в изгнание, а некоторые художники и вовсе уничтожены нацистами.

Нацисты ненавидели такие течения изобразительного искусства, как дадаизм, сюрреализм и абстрактный экспрессионизм. Практически все течения модерна были поставлены под клеймо «деградация» (Entartung). Множество картин Клее, Дикса, Бекманна и других представителей модернизма были изуродованы или просто уничтожены.

В 1938 году в Германии был принят закон, позволяющий изымать из частных коллекций картины «деградированного искусства». Апогеем событий стало публичное сожжение в 1939 г в Берлине около 4 тыс картин.

От начала XX ст до наших дней

Огромное значение для современного изобразительного искусства Германии имели колонии художников в Ворпсведе (Künstlerkolonie Worpswede) и Дармштадте (Darmstädter Künstlerkolonie), которые действовали в начале XX ст. Здесь проживали и работали в различных стилях художники, оставившие миру множество потрясающих произведений искусства. Большинство работ было создано в стиле модерн.

После окончания Второй мировой войны влияние таких известных деятелей экспрессионизма, как Кандинский и Нольде, были возрождены. Абстрактный экспрессионизм приобрел новые краски и черты. Самые яркие работы в данном стиле были созданы художниками Эрнстом Вильгельмом Наем и Вилли Баумейстером.

Самые захватывающие произведения искусства современности принадлежат немецкому скульптору Ансельму Киферу. Его работы украшают берлинский зал Гамбургского железнодорожного вокзала, расположенного в Берлине.

Лучшие работы современных художников выставлены в современной Пинакотеке в Мюнхене, Музее дизайна Vitra в Вайле-на-Рейне, музее Баухауса в Веймаре, берлинских галереях Eigen+Atr и Кунст-Верке, Новом музее в Нюрнберге. На их территории действуют временные и постоянные выставки.

Пинакотека в Мюнхене (Фото © Guido Radig / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-3.0)

о живописи в Германии смотрите по ссылке ниже:

Государственный музей Нижней Саксонии Вилли-Брандт-Аллей Митте, Ганновер Германия (Фото сверху © Christian A. Schröder / commons.wikimedia.org / Лицензия CC-BY-SA-4.0)

Все очень просто – мы используем специальный поисковик RoomGuru по 70 сервисам бронирования отелей и квартир с наилучшей ценой. Вместо отелей можно забронировать квартиру (дешевле в среднем в 1,5-2 раза) на AirBnB.com, очень удобный всемирный и известный сервис аренды квартир с бонусом 2100 рублей при регистрации
Квартиры со скидкой здесь

Источник: https://germanyask.com/hudozhestvennoe-iskusstvo-germanii.html

Biz-books
Добавить комментарий